Publicado el Jueves, 15 de Mayo del 2008 por
Olga Pastor El CAC Málaga presenta en exclusiva la instalación The Black Road
El CAC Málaga, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, ha producido en exclusiva la última exposición de Kara Walker, Premio Whitney y una de las artistas de su generación de mayor prestigio internacional, en lo que representa su primera exposición individual en España. En The Black Road Kara Walker representa iconografías con las que reflexiona sobre sus temas recurrentes: la historia de América, la esclavitud, el sexo, el amor, la violencia o la subyugación. Esta exposición se enmarca en la intención del Ayuntamiento de Málaga de mantener un programa cultural de influencia internacional con el objetivo de conseguir la Capitalidad Cultural Europea en 2016.
EXPOSICIÓN: 27 de junio / 31 de agosto de 2008
The Black Road es una instalación que Walker creará especialmente para el CAC Málaga con sus características siluetas recortadas. Esta técnica le hace realmente reconocible y tiene referencia con los inicios del cinematógrafo y las linternas mágicas, donde las transparencias pintadas eran iluminadas por lámparas de aceite. Asimismo, las siluetas, por sus tocados y vestimentas, recuerdan también a las caricaturas recortadas sobre cartulina negra de la corte francesa del siglo XVIII. Con ellas, la artista es capaz de satirizar y criticar el estilo de vida americano, con un enfoque sumamente realista sobre la sociedad y el género humano. El racismo, el apartheid, la explotación, las cuestiones de género, las injusticias sociales y la esclavitud conforman los temas centrales de su obra. Pero en el resto de la exposición que presenta pinturas, dibujos y video la artista repasa todas sus preocupaciones sociales como la violencia, el sexo, las relaciones humanas y de género, la opresión, los roles, etc. Siempre enmascarando bajo una aparente sencillez en las formas y las iconografías una crítica profunda y comprometida sobre las “sombras” de nuestra sociedad y del mundo contemporáneo.
Kara Walker (California, 1969) posee una consolidada y reputada trayectoria. En 2008 ha sido nombrada por la revista Time como una de los 100 artistas internacionales más importantes y su última exposición en el Whitney Museum de Nueva Cork ha sido calificada por la Asociación de Críticos Internacionales como la mejor de 2007. Kara Walter ha expuesto en los museos y centros de arte más importantes del mundo, como el ARC/Musee D’art Moderne de la Ville de París, el Whitney Museum of American Art de Nueva Cork, el Hammer Museum de Los Ángeles o el Walter Art Center de Minneapolis.
Pie de foto:
Kara Walker
The Long Hot Black Road to Freedom, double-dixie two-step
2005
Siluetas de papel recortadas, adhesivo y pintura sobre la pared/ Cut paper & adhesive on wall and Saint on wall
Medidas variables
Cortesía Sikkema Jenkins & Co., Nueva York / Courtesy Sikkema Jenkins & Co
Información:
Dpto. Comunicación CAC Málaga
Tlf: 952 12 00 55
Fax: 952 21 01 77
prensa@cacmalaga.org
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Publicado el Martes, 6 de Mayo del 2008 por
Olga Pastor 
Joaquín Sorolla, uno de los pintores más prolíficos de España, jamás hubiese adivinado las cifras por las que hoy en día se venden sus obras.
La prestigiosa casa de subastas de arte moderno y contemporáneo Sotheby’s, en Nueva York, pone a la venta, entre otros cuadros suyos, “Las tres velas”, valorado en más de dos millones de euros.
Sorolla es el artista de la luz y el color, muy vinculado al impresionismo. Amante de la luminosidad de las playas valencianas, hace una pintura costumbrista, con una libertad de pincelada que lo caracteriza.
La obra perteneció a Max Steinthal, un banquero judío al que los nazis asesinaron 30 años más tarde de su adquisición. Cuando, pasados los años, la familia recuperó el cuadro, lo lanzaron al mercado y lo adquirió un coleccionista de Estados Unidos, que es el que ahora lo vende.
En el Museo Sorolla de Madrid, precioso palacio donde vivió con su familia, podemos encontrar una colección muy rica del pintor,además de admirar su estudio y su forma de trabajo. Se trata de uno de los pocos pintores que ha gozado de fama y reconocimiento en vida, permitiendo así, que tantos años después de su muerte podamos entender su obra a través de su casa y de los cuadros que alberga.
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Publicado el Jueves, 17 de Abril del 2008 por
danielesko Hoy voy a hablaros de uno de mis artistas favoritos, el pólemico y siempre sorprendente Trevor Brown. Este artista londinense de nacimiento nunca deja indiferente, de hecho las reaciones ante sus trabajos siempre han sido viscerales, lo cual ya de por si es muy positivo en un mundo tan complejo como el del arte. Este artista se autoexilió en Japón , huyendo del ambiente represivo de su inglaterra natal, dondé asistía a escuelas de arte, trabajó en publicidad, en estudios, y como ilustrador freelance, al mismo tiempo que a mediados de los ochentas autopublicaba pequeños libritos de fotocopias en blanco negro con nombres tan sugerentes como Graphy Autopsy o Necro Porno.
Brown tuvo influencia en sus inicios del colevtivo artísitico Francés “Bazzoka” , así como del libro Crash, de J.G.Ballard, aunque si hay alguien impotante en su trabajo es Romain Slocombe (también realiza su trabajo en Japón) creador del arte médico del que Brown es seguidor.
Trevor Brown simpre se movió dentro de las corrientes musicales mas underground y radicales, así como de la escena fetichista y bondage, diseñando carátulas de discos como la de Decide, que le dio más éxito al album que la propia música, expuso en el mítico Torture Garden de Londres, pero su interés por la cultura japonesa lo llevó a cartearse con Masami Akita, que es una figura de gran importancia de la noise music nipona a la par que escritor y fotógrafo de sadomaso, el intercambio de ideas entre ambos fluyó notoriamente, Brown se mudó a Japón se casó con una japonesa, y allí goza de gran respetabilidad publicando en diversas publicaciones y exponiendo en galerías de culto.
Observando el trabajo de Brown, uno puede darse cuenta de que este no es un arte para ser apreciado por culaquiera, ya que late en el una especie de terrorismo estético e inocencia sieniestra, ya que observamos niñas mutiladas, muñecas golpeadas, material quirúrgico atacando a jovencitas, acercamiento a la pornografía hardcore con delirios de machismo, pero Brown no hace esto porque sea un pedófilo o un degenerado sinó para devolver una sexualidad perdida a los niñ@s, restaura la dignidad de los abusados, en una sociedad que esta obsesionada con extrapolar las esencias de la infancia para retratarla como una creación social estilizada y pura, en una clara manipulación desnaturalizada, lo que es lo mismo que decir comercializada.
Trevor Brown está casado con una japonesa la también artista Konomi Izumi mas conocida como Hippie Coco, diseñadora de unos ositos de peluche verdaderos objetos de culto en japón.
La verdadera viloencia de las imágnes de Trevor Brown no sólo reside en los pellejos de sus jóvenes vícitmas , sinó en un lugar oscuro que todos nosotros como observadores poseemos, además siempre deberíamos de desconfiar de todos aquellos que se ofenden ante su visionado ya que simultaneamente soportan (o disfrutan) el dolor de otras víctimas y horrores filtrados por los medios de comunicación en la comodidad de sus hogares.
Trevor Brown crea en 1998 su web baby art , con tienda online, dicha web esta dedicada a su onírico mundo donde se experimenta con la imagen grafica de muñecas infantiles, esta web es puro arte gráfico de gran calidad y detallismo con un valor tanto artístico como estético del más alto nivel.
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Publicado el Miércoles, 16 de Abril del 2008 por
Adrian Fernandez Hasta el siglo XX, la representación de la figura humana había sido sometida a las características propias de cada estilo, época o tendencia. En el siglo pasado, con la invención de la fotografía, se alcanza por fin la perfección absoluta en la figuración de nuestro cuerpo. El camino del realismo era un sinsentido que llegaba a su fin. Por otro lado, los estudios de Freud sobre la sexualidad, abrían nuevas puertas a la inspiración artística jamás exploradas hasta entonces. Si a esto añadimos un par de guerras mundiales y numerosos episodios trágicos que convulsionaron el mundo, amén de cambios sociopolíticos sin precedentes, obtendremos un caldo de cultivo propicio para revolucionar, una vez más, el mundo del arte.
Un cos sense límits, en la Fundació Joan Miró hasta el 27 de Enero de 2008, aborda precisamente los cambios que, desde las 1as vanguardias hasta pasado el año 2000, ha experimentado la representación de nuestro cuerpo. Aquí se dan cita algunos de los artistas más destacados del siglo XX: Schiele, Dix, Matisse, Picasso, Miró, Duchamp, Chagall, Moore, Dubuffet, Basquiat, Fischl o Tàpies son parte de los 41 artistas que participan, con más de 90 obras expuestas entre pintura y escultura. Es muy interesante ver cómo cada uno de ellos, adscrito generalmente a una tendencia concreta, adopta los presupuestos de cada una de ellas a la hora de esta radical revolución antropomorfa. Así, los expresionistas como Kirchner, nos muestran la parte frágil, enferma, distorsionada, del género humano. El cubismo, de la mano de Braque y en menor medida de Picasso, quizá el único de estos nombres que ha tocado todos los palos, indagan en cuestiones puramente formales mediante la deconstrucción de la figura humana. El surrealismo aprovecha la vía abierta por Freud para explorar la sexualidad humana desde planteamientos oníricos. Los Bacon, de Kooning, o Lucien Freud recuperan la idea desgarrada de nuestra existencia retomando planteamientos de un expresionismo más individualista.
La transformación vivida por el arte en estos últimos cien años no tiene precedentes. La representación del hombre ha sido una constante a lo largo de los siglos. Qué mejor excusa entonces, para mostrar dichos cambios, que esta muestra sobre el cuerpo humano, un cuerpo sin límites ciertamente, a tenor de las diferentes visiones que aquí se nos ofrecen.
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Publicado el Martes, 15 de Abril del 2008 por
Adrian Fernandez Todo comienza un 5 de Marzo del año 1960, en la Habana, cuando el aún desconocido fotógrafo Alberto Korda consiguió la que es, a día de hoy, la imagen más reproducida de la historia. La fotografía, titulada originalmente “El guerrillero heroico”, que muestra a un Ernesto Guevara inmortal, de gesto grave y mirada visceral, va a ser utilizada primeramente con fines propagandísticos en favor de la Revolución cubana.
Este es, lógicamente el punto de partida de toda la iconografía posterior en torno al símbolo más popular del siglo XX, que ha ido evolucionando por derroteros cuando menos curiosos, como ilustra perfectamente el estudiado itinerario de la exposición. La idea, que se alcanza plenamente, es mostrar la metamorfosis de esta imagen, de símbolo revolucionario reivindicativo a serigrafía warholiana o estampa comercial para promocionar unas gafas de Gaultier.
Así, el visitante, comienza observando al Che como lo que probablemente dicen que fue, el combatiente romántico, un ideal de rebeldía. Pero, a medida que avanzamos por las diferentes salas, vemos cómo este concepto va mutando, cómo va perdiendo su significado o propósito original en favor de las tendencias mercantilistas, que todo lo cambian, que de todo se apropian. El Che acaba siendo una caricatura de sí mismo, casi un chiste capitalista sobre el mito derruido del comunismo. En el Palau de la Virreina podemos ver todo tipo de objetos con su efigie, además de innumerables reinterpretaciones de la fotografía original realizados por más de 60 artistas. Con sutileza, progresivamente, pasamos del icono original en su contexto, a la marca comercial por excelencia de los últimos años.
Sin embargo, el visitante, atraído a la exposición por el simple, pero muy acertado, cartel promocional (CH€), sale con la sensación de que las dos facetas del mito siguen perviviendo juntas pero no revueltas. Y, desde luego, ilustrar buena parte de la historia del siglo XX en base a una fotografía por todos conocida, no deja de ser un aliciente para emplear un rato viendo la muestra.
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